Puoi costruire una base nell’arte e continuare a praticarla. Imparare i fondamenti può essere difficile e noioso all’inizio, ma migliorerà nel tempo.
Prima di poter entrare nei dettagli dell’educazione artistica, è importante capire le basi. Sarai in grado di mescolare e abbinare gli elementi per creare risultati perfetti. Puoi ottenere il meglio dalla tua opera d’arte solo se conosci le basi dell’arte.
Ci sono molti elementi costitutivi per qualsiasi tipo di design che desideri realizzare. Puoi rompere ogni disegno complicato e poi noterai gli elementi essenziali che l’artista sta usando.
Puoi creare arte significativa e solida solo se sei in grado di comprendere le basi dell’arte. Dopo aver sviluppato le tue capacità tecniche, puoi concentrarti sulla tua voce artistica e metterla in mostra attraverso il tuo lavoro.
Diamo uno sguardo ai fondamenti dell’arte.
Quali Sono I Fondamenti Dell’arte?
1. Anatomia
Lo studio dell’anatomia potrebbe diventare intensivo a causa dell’enorme volume di informazioni disponibili. Ma otterrai un’immagine più chiara delle relazioni tra i diversi elementi del corpo e le loro proporzioni. Ti aiuterà a disegnare personaggi e figure convincenti.
Per poter vedere come si muoveranno le ossa e i muscoli, è necessario conoscere la funzione delle articolazioni.
Ogni essere vivente che stai cercando di disegnare, che sia una creatura o un essere umano, ha uno scheletro. Ti consigliamo di padroneggiare solo un aspetto alla volta in quanto può essere difficile afferrare i concetti di base.
Questa è una competenza chiave per i professionisti nel campo dell’arte dello spettacolo. Dovrai sapere come disegnare varie creature viventi. La complessità può essere resa semplice utilizzando le competenze e la formazione adeguate.
Conoscere l’anatomia è un elemento fondamentale per aiutarti a perfezionare diversi aspetti del tuo disegno. Ad esempio, ti aiuterà a capire come progettare il divano in base alle proporzioni del corpo o come fare in modo che i vestiti si adattino perfettamente al tuo personaggio.
Nell’educazione artistica, lo studio dell’anatomia è stato per decenni un argomento fondamentale.
Questo ti aiuta a capire l’interrelazione del corpo umano. Altrimenti, i tuoi personaggi potrebbero sembrare sciatti e innaturali. Alla fine, lo studio dell’anatomia ti aiuterà a creare un senso di equilibrio nella tua pratica artistica e ad affinare le tue osservazioni.
2. Valore E Illuminazione
Nello studio dell’illuminazione e del valore, tratterai ogni aspetto del rendering. Indipendentemente dal fatto che tu stia utilizzando la scala di grigi, il colore o entrambi, i valori possono essere gli stessi. Se acquisisci una buona comprensione del valore, migliorerà la tua conoscenza della selezione dei colori. Ciò riflette il modo in cui lo studio dell’uno integra l’altro.
Illuminazione e valore miglioreranno la tua comprensione della forma. Pertanto, se hai una conoscenza preliminare della forma, allora sarà utile per lo studio del valore.
Se sei nuovo nell’arte, dovresti esercitarti a disegnare regolarmente e cercare di rendere quanti più dettagli possibile. Inizia con l’arte della natura morta in quanto non si muove e progredisce lentamente nel ritratto. Esercitarsi a disegnare oggetti inanimati può aiutare a ottenere risultati fruttuosi. Questo può diventare un po’ stressante, ma sarà altamente educativo.
Lo studio del valore riguarda la comprensione del concetto di luce e ombra in dettaglio. Quando si considera il rendering tecnico, è importante prestare attenzione agli aspetti tecnici della luce.
Le ombre vengono create in assenza di luce, il che significa che una parte dell’oggetto riceve più luce del resto. Sebbene sembri semplice in teoria, non è facile da fare. Ci vuole molta pratica per padroneggiarlo. L’ombreggiatura è importante per creare un senso di luce e viceversa.
Il valore si riferisce alla quantità di oscurità o luminosità di un particolare colore. La luminosità e il contrasto nelle diverse immagini aiutano a determinare come vediamo oggetti diversi e li comprendiamo.
È importante concentrarsi sul valore perché ti aiuterà a creare l’illusione della luce. Se comprendi l’uso di Value, sarai in grado di combinare le ombre (l’area in cui la luce non si riflette) e le alte luci (l’area in cui la luce si riflette) per creare l’illusione di una fonte di luce.
Il disegno richiede che tu sia in grado di vedere la luce e come reagisce alle superfici. È più efficace avere opere d’arte che coprono una vasta gamma di valori, indipendentemente dal tipo di arte che stai cercando di creare. È importante avere una comprensione approfondita di come rappresentare sia i valori scuri che quelli chiari (sfumature).
Puoi usare l’arte dell’illuminazione e del valore per migliorare l’atmosfera di un’immagine e raccontare una storia.
3. 3.
È la conoscenza dei diversi principi che viene utilizzata per creare bellissime combinazioni di colori. Dovrebbe essere piacevole per i sensi. Dovresti creare un terreno comune per aiutarti a conoscere i molti modi in cui i colori possono essere correlati, combinati, miscelati, disposti e utilizzati.
Conoscere le basi della teoria del colore ti permetterà di capire perché alcuni colori funzionano bene e altri no. Ciò ti consentirà di padroneggiare l’arte della miscelazione e del contrasto dei colori e di creare effetti visivi.
Imparare i fondamenti della teoria del colore richiederà di comprendere questi tre fattori:
Armonie di colori Questo ti aiuta a sapere come creare unità o equilibrio tra i colori. Quando combini i colori per creare una combinazione armoniosa, è piacevole per gli occhi del tuo pubblico. L’armonia non riguarda la monotonia o il caos, ma la capacità di creare un senso di equilibrio tra i due.
È necessario essere consapevoli dei seguenti problemi di colore quando si cerca di creare armonia nel colore: la natura dei colori primari, la natura circolare delle tonalità e il concetto di colore complementare. Scegli saggiamente le tue armonie di colori per contribuire a migliorare l’aspetto del tuo dipinto, o potrebbe rovinarsi.
Ruota dei colori Questa ruota contiene 12 colori, ciascuno con un senso di progressione. Ha tre tipi di colori, vale a dire primario, secondario e terziario. I colori primari (giallo, blu e rosso) sono noti per essere stabili poiché altri colori non possono essere mescolati per crearli.
Una miscela equilibrata di colori primari e secondari può creare colori secondari come arancione, verde, viola e giallo-arancio. E devi usare una miscela ineguale di colori secondari e primari per creare colori terziari (rosso-arancio, giallo-verde, blu-viola, giallo-arancio e rosso-viola).
Il contesto del colore Questo aspetto ti permetterà di capire come si comporta uno specifico colore rispetto ad altri colori. Può connotare sentimenti positivi in un contesto specifico, ma potrebbe ritrarre emozioni negative in un altro.
Il rosso, ad esempio, appare più luminoso su uno sfondo nero ma opaco su uno sfondo bianco. Non ci sono regole su come si comporterà un colore, ma si tratta invece di provare diverse combinazioni per selezionare l’effetto migliore.
Devi anche capire cosa connota ogni colore, per aiutarti a selezionare il colore giusto in base all’impostazione. Giallo, rosso e arancione sono colori caldi che hanno personalità accattivanti. I colori freddi, come il verde, il blu e il viola, sono più comodi e attivi.
4. 4.
La composizione è la capacità di disporre gli elementi artistici in modo coerente che renderà più efficace il tuo prodotto finale. Il tuo lavoro non dovrebbe essere solo estetico. Dovrebbe avere anche altri obiettivi. Dovrebbe, ad esempio, essere in grado di trasmettere un messaggio al pubblico o provocare riflessioni.
La composizione aiuta a dare alla tua opera d’arte un layout e una struttura precisi. Dirige l’attenzione dello spettatore al punto centrale del tuo lavoro. Ciò fornisce un senso di realizzazione poiché il messaggio viene trasmesso attraverso il tuo lavoro.
Anche se riesci a ottenere l’anatomia, la forma e l’illuminazione, l’intero disegno potrebbe non essere bilanciato se la composizione non è corretta. Se c’è una composizione debole, può ridurre o distruggere il messaggio e l’impatto anche dell’opera d’arte più raffinata. Non puoi creare un’opera d’arte senza una composizione, perché sarà creata per caso o in modo consapevole.
La composizione è come lo scheletro di un essere vivente: sappiamo che il corpo è tenuto dalle ossa anche se non possiamo vederlo.
Simile all’arte, è chiaro che un’idea ha dato vita all’opera. Questo ti aiuterà a capire dove dovrebbe andare ogni elemento.
Ci sono alcuni aspetti della composizione su cui concentrarsi per contribuire ad aggiungere valore e catturare l’attenzione del pubblico:
Se ti stai concentrando sulla creazione di qualcosa con un solo tono, è sufficiente avere una prospettiva semplice. In cui non devi preoccuparti del valore, del colore, del tono o dell’ombreggiatura/luce. Il tuo disegno avrà una sensazione tridimensionale anche se è piatto. La prospettiva è fondamentale. È un sistema di rappresentazione che fa apparire oggetti distanti più piccoli e più vicini nell’arte.
I tre tipi di prospettive sono:
- Prospettiva a un punto
- Prospettiva a due punti
- Prospettiva a tre punti
7. Linea
La Linea è spesso considerata l’elemento più importante dell’arte. Ogni opera d’arte dipende da questo. Una linea ha tono, larghezza, consistenza e lunghezza. Può dividere lo spazio, definire forme, indicare la direzione e descrivere il contorno. Senza l’uso di Line, non puoi permetterti di annotare forme, suggerire trame o aggiungere profondità.
I diversi tipi di disegni al tratto sono:
- Linee centrali e strutturali Nell’animazione queste linee sono comunemente usate per assicurarsi che le figure siano bilanciate e simmetriche
- Linea di contorno Questa linea viene utilizzata per disegnare un contorno per definire la forma oi bordi degli oggetti.
- Spessore linea Mostra l’intensità della linea o quanto può apparire scura o chiara la linea sulla carta.
- Linea ortogonale Troverai l’uso di questa linea nel disegno prospettico. Sono linee che tendono a raggiungere il punto di fuga ea incontrarsi lì.
- Linea dell’orizzonte L’uso di questa linea si riscontra in paesaggi in cui l’altezza dell’occhio dell’osservatore è controllata.
- Linea implicita Quando fai una piccola pausa, la linea tende a continuare nella stessa direzione.
- Linea tratteggiata e tratteggiata Si trova nei disegni che consistono nell’intersecare linee parallele (tratteggio incrociato) o linee parallele (tratteggio). Aiuta a creare differenze di oscurità, leggerezza e consistenza.
8.
Bordo
Puoi creare un bordo posizionando due colori diversi uno accanto all’altro. È indicato come il passaggio tra due tonalità di colore.
Potrebbero esserci alcuni bordi taglienti e alcuni bordi morbidi. Alcuni potrebbero persino essere persi completamente perché non sai dove finiscono e iniziano i colori. Poiché sono più evidenti attorno al punto centrale di un dipinto, tendono a essere posizionati bordi taglienti. Tuttavia, i bordi morbidi enfatizzano la sensazione di una transizione graduale.
I bordi si formano quando qualcosa cambia piano, oggetto o colore. Devi capire quali fattori influenzano il modo in cui vediamo questi bordi, che includono luce, movimento, messa a fuoco e ambiente.
Parole finali
Imparare a realizzare delle belle opere d’arte richiede una buona comprensione dei fondamenti. Usa questa guida per aiutarti a concentrarti sulle basi e continuare a cercare di risolvere ogni problema man mano che cresci come artista. Divertiti e sperimenta vari schizzi, colori, ritratti e dipinti.
